Ленинградская Школа Живописи


СТАТЬИ



О ЮБИЛЕЙНОЙ ВЫСТАВКЕ И НЕКОТОРЫХ ТРАДИЦИЯХ ЛЕНИНГРАДСКОЙ ЖИВОПИСНОЙ ШКОЛЫ



С. В. Иванов



Образование Ленинградского Союза художников, восьмидесятилетие которого отмечается в 2012 году, совпало с очередным преобразованием бывшей Академии художеств, в результате чего возник Институт живописи, скульптуры и архитектуры, с 1944 года носящий имя И. Е. Репина. Значение этих событий, отделённых от нас дистанцией длиной в человеческую жизнь, трудно переоценить. Юбилейная выставка, развернутая сразу на нескольких городских площадках, даёт повод к размышлению и о сегодняшнем состоянии изобразительного искусства Петербурга, и для взгляда на него с позиций ретроспективы и исторической преемственности. Как на неотъемлемую часть единого процесса развития русской живописи, где каждый этап связан многими нитями с его общей историей.

Правопреемник того Ленинградского Союза - сегодняшний Санкт-Петербургский Союз художников насчитывает 4000 профессиональных мастеров изобразительного искусства всех специальностей, а также искусствоведов и художественных критиков. Уже сам по себе этот факт многозначителен. Под напором рынка, безденежья, под давлением агрессивного дилетантизма Союз не распался, не оскудел талантами, не утратил своих главных функций и ведущей роли в художественной жизни, не растерял авторитета в глазах профессионального сообщества. Между тем ещё четверть века назад некоторые критики предвещали ему неминуемый распад без государственной поддержки, как рудименту «тоталитарной» эпохи. То, что, несмотря на все сложности, этого не произошло, а число членов Союза даже увеличилось, заставляет по-новому взглянуть и на события 1932 года. На обстановку, предшествовавшую и сопровождавшую образование единого Ленинградского Союза художников. Увидеть в них проявление давно назревшей объективной потребности в организационной и идейной консолидации творческих сил.

При таком внушительном составе объясним и размах юбилейной экспозиции. Её разделы были развёрнуты в Центральном выставочном зале «Манеж», в залах Союза художников на Большой Морской, в выставочном зале СХ России на Охте. Основная часть живописного раздела была представлена в «Манеже», где 15 июня прошла церемония торжественного открытия при огромном стечении публики и при участии городских властей. Впервые в истории Союза к открытию выставки был подготовлен столь внушительный каталог энциклопедического формата в твёрдом переплёте объёмом свыше 600 страниц и содержащий, помимо искусствоведческих статей, около 1300 цветных репродукций работ (1).

В большой подготовительной работе, проделанной общими усилиями, а затем и в развёрнутой широкой картине петербургского искусства бросалась в глаза одна особенность – отсутствие среди организаторов юбилейной выставки Русского музея. Ни работ из его фондов в «Манеже», ни экспозиции в самом музее. Ситуация странная, имеющая, очевидно свои объяснения, и требующая отдельного серьёзного разговора. Пока же можно лишь констатировать, что ретроспективный подход к организации экспозиции юбилейной выставки реализовать достойным образом не удалось. При наличии богатейшего музейного собрания ленинградского искусства 1930-1980 годов оно оказалось вычеркнутым из представленной на выставке истории Союза художников. Такое происходит впервые. Нет известных работ К. С. Петрова-Водкина (кстати, первого Председателя Ленинградского Областного Союза советских художников – ЛОССХ), И. И. Бродского, А. А. Рылова, А. И. Савинова, В. В. Лебедева, М. И. Авилова, В. А. Серова,  Я. С. Николаева, Е. Е. Моисеенко, И. А. Серебряного, Г. А. Савинова, Л. В. Кабачека, О. Б. Богаевской, А. Г. Ерёмина, Н. Ф. Лапшина, В. В. Пакулина, Н. А. Тырсы, М. П. Труфанова и многих других мастеров, с именами которых связано само представление о ленинградской живописи. Не смогли изменить этой картины и по-своему превосходные, но преимущественно камерные, этюдные вещи Б. С. Угарова, Ю. Н. Тулина, А. Н. Самохвалова, Р. Р. Френца, Ю. М. Непринцева, В. Ф. Загонека, П. Т. Фомина, В. А. Горба, П. П. Белоусова, С. И. Осипова, Н. М. Позднеева, Б. В. Корнеева и ряда других мастеров 1950-1980-х,  представленные из частных или семейных собраний. К тому же не все из них попали в экспозицию. Фактически посетитель выставки был лишён возможности сравнения и выбора, без чего, не обладая зрительной памятью искусствоведа, должен был доверяться собственному чутью и подчас не мог понять, что ему предлагают под видом современного искусства: высокохудожественные произведения или массовую «изопродукцию».




А. Н. Самохвалов
Девушка в футболке. 1932




К. С. Петров-Водкин
Черёмуха в стакане. 1932




В. В. Купцов
АНТ-20 "Максим Горький". 1934




А. А. Рылов
В зелёных берегах. 1938




А. С. Ведерников
Тучков мост. 1935




И. А. Серебряный
Портрет Ф. Безуглова, плавильщика завода
"Красный Выборжец". 1960



Между тем сравнения напрашиваются сами собой. Например, экспозиция живописного раздела ретроспективной выставки «Изобразительное искусство Ленинграда», открытой в Москве в конце 1976 года, почти наполовину состояла из картин, представленных десятками крупнейших художественных музеев СССР, включая Русский музей и Третьяковскую галерею (2). Выставкой следующего 1977 года под девизом «Искусство принадлежит народу» был открыт ленинградский центральный выставочный зал «Манеж». Её экспозиция, посвящавшаяся 60-летию Октябрьской революции и пришедшаяся на 45-летие Союза художников, также имела ретроспективный раздел, где экспонировались произведения из собрания Русского музея и других ленинградских музеев. В том числе работы И. И. Бродского, Г. С. Верейского, Б. М. Кустодиева, А. А. Остроумовой-Лебедевой, К. С. Петрова-Водкина, В. А. Серова, Р. Р. Френца, И. А. Серебряного, Н. В. Томского, Л. В. Шервуда и других известных мастеров (3).

И в новейшей истории эта традиция не прерывалась. Так, в 1997 году на выставке «Связь времён», посвящённой 65-летию Санкт-Петербургского Союза художников, экспонировались работы из собраний Русского музея и других музеев города, среди них картины Б. В. Корнеева, Я. И. Крестовского, В. Е. Малевского, А. А. Мыльникова, Я. С. Николаева, А. Д. Романычева, Н. А. Тырсы, Б. С. Угарова (4).

В отличие от упомянутых выставок, нынешняя экспозиция в «Манеже» даёт лишь самое приблизительное представление о состоянии и тенденциях в современной петербургской живописи. Поскольку даже нельзя быть уверенным, что здесь показаны лучшие вещи, которые художники могли показать.

Причины кроются в изменившихся условиях. Сегодня участие в подобной выставке интересно, прежде всего, молодым. В материальном отношении она ничего художнику не даёт, кроме издержек. И зрителю не приходится рассчитывать увидеть в экспозиции лучшие работы – они уходят к покупателю, их не придерживают к выставке в расчёте на закупки Министерством культуры или Художественным фондом, как это практиковалось прежде. Проблемы со страховкой делают проблематичным привлечение лучших картин из музейных и частных коллекций. Также, поскольку не стало договоров на написание картин к выставкам, не стало и картин, над которыми художник работал один - два года, а потом обязательно их выставлял. Наконец, не все петербургские художники сегодня стремятся в Союз, а его члены не подвёрстывают свои личные планы под подобные мероприятия, особенно когда они проводятся летом. И всё же экспозиция юбилейной выставки может быть основанием если не для широких обобщений, то для некоторых наблюдений и осторожных выводов.

Сравнение вообще – вещь не простая, а порой и опасная. Она может обнажить то, что хотелось бы скрыть. Это безжалостный суд времени. И всё же плюсы его гораздо значительнее. Поэтому, внимательно всматриваясь в экспозицию юбилейной выставки, мы старались мысленно не упускать из виду и ту огромную часть айсберга под названием «ленинградская живопись», которая по тем или иным причинам оказалась скрытой от глаз посетителей.




Экспозиция юбилейной выставки. 2012

Сначала о жанрах. При первом знакомстве с экспозицией и каталогом может показаться, что тут всё на месте и всё достаточно уравновешено. И портрет, и тематическая картина, пейзаж, натюрморт – все представлены достаточно полно и разнообразно. Есть батальная и историческая картина, хотя тематика её претерпела серьёзные изменения. Представлена и традиционная для ленинградских выставок тема войны и блокады. Отчётливо заметна и тенденция современной живописи к взаимопроникновению жанров, когда на плоскости холста по замыслу автора соединены элементы пейзажа и жанра («В верховьях Амгуни» В. Петрова-Маслакова, 2005), пейзажа и портрета («Двое» О. Пономаренко, 2006; «Памяти деда» А. Петрова, 2007).

Нет в экспозиции портретов президентов и градоначальников, общественных, политических и военных деятелей. Петербургские художники как-то потеряли интерес к этой теме, но качество экспозиции от этого не потеряло. И, может быть, от того, что ушло из экспозиции многое такое, о чём не стоит сожалеть, как-то не сразу обнаруживает себя действительная потеря. Не стало того, что обобщённо называлось производственным жанром. Сюда мы включаем тематическую картину на производственную тему, индустриальный пейзаж, портрет человека в профессии. Сколько критики было высказано в последние десятилетия в адрес засилья этой тематики в советской живописи. А вот пропала она совсем, и экспозиция потеряла что-то очень важное.




В. А. Снопов
Крановщица. 1976

Эти размышления родились не сразу. Толчком к ним послужила скромная работа В. А. Снопова «Крановщица» (1976), висевшая в полутёмном боковом проходе второго этажа «Манежа». Её нет в каталоге выставки. Молодая девчонка-крановщица в алой косынке и видавшем виды свитерке в тесной кабине башенного крана вцепилась в рычаги управления и сосредоточенно, по-хозяйски смотрит вниз, где бригада монтажников должна принять груз. А за прозрачным ограждением кабины с захватывающей дух высоты открывается панорама новостройки.

Сдержанная гамма картины-портрета с преобладанием голубовато-серых и охристых тонов и удачно найденная композиция вполне традиционны для 1970-х. По сумме стилистических особенностей она перекликается с живописью «круговцев», хотя кто-то увидит в ней отголоски позднего «сурового» стиля. Хотя и нет в ней той одномерности,  обобщённости рисунка и декоративности цвета, характерных для этого стиля, за которыми часто утрачиваются важные индивидуальные характеристики героя. А в портрете-типе молодой крановщицы привлекает как раз схваченные характерные черты собирательного образа современницы, в котором угадываются и дерзкая смелость, и ответственность, и трогательное обаяние молодости. Автор явно не старался нас в чём-то убедить, а вот созданному образу веришь, он притягателен и по-своему убедителен. Обойдя всю выставку, мне захотелось ещё раз вернуться  и постоять рядом с этой работой. И задуматься над тем, что и почему уходит из нашей жизни и из нашего искусства.

Чем больше углубляешься в эти размышления, тем важнее кажется эта тема для понимания проблем современного искусства. Вот, оказывается, зачем нужна ретроспектива на подобных смотрах. Не только, чтобы отдать дань уважения мастерам прошлых лет. Но чтобы, опираясь на их опыт, яснее видеть приобретения и потери современной живописи. Чтобы не сбиться с пути.




Л. А. Русов
Портрет Е. А. Мравинского. 1957




А. А. Ненартович
Асфальтировщицы. 1961




А. И. Васильев
Станция "Байкал". У причала. 1961




Б. В. Корнеев
Автопортрет. 1961

Уход темы труда из выставочных залов и из творчества художников обедняет все жанры, лишает глубины, сложности, связи с жизнью, обрекает на иллюзорность, на поверхностное следование чисто внешнему, второстепенному, на воспевание этой вторичности в качестве сверхзадачи искусства. Всё это в той или иной степени подтверждает экспозиция юбилейной выставки. Не случайно среди портретной живописи глубиной образов и живописными качествами выделялись немногие работы 1950-60 годов - «Портрет Анатолия Бондаренко», «Портрет Андрея» А. П. Левитина (также не попавшие в каталог), «Автопортрет» Б. В. Корнеева, «Портрет М. Дрейфельд» М. К. Копытцевой, «Портрет М. Дудина» и «Портрет Ю. Тулина» Пен Варлена. Лучшее из созданного за последнее десятилетие – например, «Катя – художник по тканям» Л. Н. Кирилловой, «Портрет сына» С. М. Бахтияровой, «Портрет В. Табанина» Л. А. Костенко – это всё та же ещё ленинградская школа в лице её представителей поколения 1960-1970 годов. К её традициям тяготеют и запомнившиеся работы художников следующего поколения - «Аня и Маша» Н. Милашевич, «Портрет дочери» С. Нуримова, «Маша» Д. Нигматулина, а также самых молодых – «Подруги» Л. Щербининой, «Автопортрет» В. Ежакова, «Фантазёрка» Т. Новосёловой,  «Анюта» Л. Панченко.

Конечно, каждое время вносит что-то новое и своего героя. В этом смысле можно сказать, что современное искусство отражает реалии и ценности сегодняшней жизни и показывает нам нас такими, какими мы есть. И общество, и государство, и искусство не вышли ещё из периода неопределённости, не смогли пока ясно сформулировать цели развития, принимаемые большинством, и выстроить под них внятную политику. В этой ситуации от живописи скорее можно ожидать отдельных пророчеств, нежели скорого общего поворота.




М. П. Труфанов
Горновой. 1955




М. П. Труфанов
Шахтёр. 1959

Говоря о живописном портрете нельзя не коснуться проблемы героя в творчестве современных петербургских художников. А если точнее – его отсутствия. Поскольку современным искусством она не решена. Это можно было бы назвать одной из отличительных черт сегодняшней живописи, если бы проблема не была значительно глубже и шире. Поскольку без героя искусство вообще и реалистическая живопись в частности обречены на обесценение содержательной составляющей произведения, на постепенное разрушение баланса между формой и содержанием и скатывание к поверхностному формотворчеству. Под героем в данном случае мы понимаем не столько поиск типажа или социального архетипа (что для искусства само по себе очень важно – вспомним «Девушку в футболке» А. Н. Самохвалова, «Рабочего и колхозницу» В. И. Мухиной, «Горнового» М. П. Труфанова, «Портрет плавильщика Ф. Безуглова» И. А. Серебряного). Речь скорее должна идти о некоем комплексе духовных и нравственных ориентиров, обязательно выражающихся в определённой жизненной позиции героя и находящих затем благодаря таланту и наблюдательности художника своё образное воплощение на холсте. Как же не хватает на выставке этих работ А. Н. Самохвалова, И. А. Серебряного, М. П. Труфанова! Между прочим, тот же А. Н. Самохвалов был членом правления Ленинградского Союза художников с момента образования и до конца 1930-х годов, а И. А. Серебряный возглавлял Союз в 1954-1957 годах.

Если судить по экспозиции юбилейной выставки, героем нашего времени искусство зачастую видит человека, выброшенного на обочину жизни. Без цели, без перспектив, без достойных средств к существованию, предоставленного самому себе. Которого поддерживает только память и, возможно, вера («Осень» К. Дудко, «Портрет В. Яковлевой» Д. Антипиной, «Мы» К. Дацука, «Ветераны» Г. Яндыганова). К сожалению, для значительной части общества это так. Отсюда и встречающиеся параллели с приёмами, образами и даже сюжетами передвижничества (например, в работах «Глоток свободы» А. Полозова, «Ленинградские дворы» Ф. Федюнина).

Хорошо, что художники обращают внимание на острые социальные проблемы, поднимают эти темы в своих работах. Вместе с тем наше общество гораздо сложнее по своему составу, нежели в XIX веке. Кроме того,  для утверждения современного героя нужна убедительная художественная форма, адекватная своему времени, а не позапрошлому веку. А с этим, как показывает выставка, пока туго. К тому же такой герой способен вызывать сочувствие, сострадание, покаяние, но даже в этом качестве он ни к чему и никуда не зовет: ни вперёд, ни назад, ни к старому, ни к новому. В нём нет будущего, нет той позиции и духовной энергии, которые способны повести за собой, чтобы изменить мир к лучшему.

Могут возразить, что такая задача теперь и не стоит перед искусством. Что в XXI веке эти его функции окончательно перешли к масс-медиа. Если это и справедливо, то лишь отчасти. Конечно, традиционные формы и язык изобразительного искусства более консервативны и менее изменчивы, нежели язык медийного пространства, активно впитывающий достижения новейших технологий. Но, во-первых, масс-медиа сами активно используют образы изобразительного искусства, как современного, так и прошлого, без чего не могут найти пути к сознанию современных поколений. Во-вторых, художник вообще и живописец в частности просто должен лучше говорить на своём языке. Возможно, к чему-то вернуться из прежнего богатого опыта и арсенала. Возможно, от чего-то отказаться. Стоит, например, вспомнить, что из изобразительного искусства в ХХ веке вышли такие ныне самостоятельные сферы творческой деятельности, как промышленный дизайн, реклама, что это также вызывало известные проблемы. Но оказалось, что станковая живопись от этого отпочкования не исчезла. И реалистическое искусство не пропало. И потребность в нём не уменьшилась. Наконец, настоящее произведение искусства имеет то огромное преимущество перед медийной продукцией, что оно может жить и нести свою функцию долго, десятилетиями и даже веками. И оно всегда имеет своего конкретного создателя, чей труд в нашей стране во все времена приравнивался к подвигу. Примером могут служить те же картины о войне художников ленинградской школы А. Лактионова «Письмо с фронта» (1947), Ю. Непринцева «Отдых после боя» (1951), А. Мыльникова «Прощание» (1975), которых, к великому сожалению, мы также не увидели на юбилейной выставке.




А. И. Лактионов
Письмо с фронта. 1947




Ю. М. Непринцев
Отдых после боя. 1951




А. А. Мыльников
Прощание. 1975

Станковая живопись и станковая картина в частности могут вернуть себе достойное место в ряду художественных и духовных ценностей современника. Но это не может случиться вдруг, само собой, без большого труда, без преодоления, без изучения жизни, а только за счёт прошлого опыта и усвоения суммы профессиональных приёмов. Особенно это касается молодых художников. Известно, что качество образования сегодня критикуется повсеместно, что из системы подготовки кадров высшей квалификации практически ушла такая составляющая как воспитание будущего специалиста. И если для строителя или инженера это не так критично, то в творческих специальностях это напрямую сказывается на качестве будущей профессиональной деятельности.

Хочется несколько слов сказать о реализме, хотя бы потому, что абсолютное большинство представленных авторов тяготеют к этой традиции. Точнее, об одной проблеме реалистической живописи, для чего позволим себе дословно привести высказывание Н. Н. Пунина из его выступления в феврале 1946 года в ЛССХ на обсуждении выставки этюда. «Рисовать, – говорил Пунин, – для меня значит найти форму, не отдельно прикладывать нос, щеку, ухо и т.д. Я не понимаю. Это не рисунок. Здесь не нарисовано ничего. Здесь обо всём сказано как-то намёком, что есть нос, глаза, есть ухо, то есть здесь то, что мы называем в практике перечислением. Это – перечисление, а не показ формы человеческого лица. И в этом смысле на выставке 90% вещей не реалистических. Реализм здесь и не ночевал, рассматриваемый в том широком профессиональном смысле слова, в котором мы понимаем термин «реализм». Громадное большинство вещей этой выставки тяготеет к натуралистическому, то есть механическому сложению вещей, к перечислению» (5).

Эта проблема, как показала юбилейная выставка, актуальна и сегодня, в том числе не только для портрета, но и для большой картины. На выставке есть примеры попыток поднять важную тему в этом жанре («На поле Куликовом. Сергий Радонежский и Дмитрий Донской» Ю. Пантюхина, «Мы» К. Дацука, «Соловей-разбойник» Н. Блохина). Возрождению жанра мешает ряд причин, среди них отсутствие финансирования по линии Министерства культуры и прочих субъектов рынка, наподобие той системы договоров, которая существовала в СССР. Потребность в такой живописи сегодня есть, существуют серьёзные предпосылки для возрождения интереса к ней со стороны общества и художников. И в нашем относительно недавнем прошлом, и в современности есть немало волнующих актуальных проблем, художественное осмысление которых требует от живописца обращения к особым формам. Важно – и это показала выставка, что петербургские художники подготовлены профессионально к решению и таких сложных творческих задач. И здесь опыт и наследие таких мастеров «ленинградской школы», как Е. Е. Моисеенко, Л. В. Кабачек, Б. В. Корнеев, В. Ф. Загонек, Г. А. Савинов, А. А. Мыльников, И. А. Серебряный, В. А. Серов, Б. С. Угаров, А. Н. Самохвалов, А. Г. Ерёмин, В. В. Ватенин, Ю. Н. Тулин могли бы оказать неоценимую помощь, и они обязательно будут востребованы.




Н. Н. Баскаков
В. И. Ленин в Кремле. 1960




Б. С. Угаров
Ленинградка (В сорок первом). 1961




В. И. Овчинников
Вечер на Волге. 1975

Прежде, чем обратиться к пейзажу, скажем о так называемом гендерном факторе и его влиянии на современную живопись. Вот несколько цифр. В 1964 году на зональной выставке «Ленинград» в разделе живописи женщины составляли 18% экспонентов. В 1997 году на юбилейной выставке «Связь времён» в «Манеже» они составляли уже 29% экспонентов. А на юбилейной выставке 2012 года уже 36%. Однозначно оценить эту тенденцию, по-видимому, нельзя. И всё же она вселяет известное беспокойство. Живопись, особенно петербургская, не должна превращаться в салон, утрачивать гражданские качества, всегда отличавшие художников нашего города. Пожалуй, особенно наглядно существование такой опасности проявилась на выставке в пейзажной живописи.

Эта часть экспозиции сколь мила столь же по преимуществу и пуста. Современный художник, утративший родовые связи с деревней, мало общающийся с натурой воспринимает пейзаж без прежней остроты чувства и понимания уклада жизни. Достаточно сравнить творчество современных, в том числе молодых пейзажистов, с представленными на выставке работами мастеров «ленинградской школы» - В. Ф. Загонека, И. М. Варичева, В. В. Соколова, П. Т. Фомина, Н. Н. Галахова, В. М. Петрова-Маслакова, Г. М. Мороза. Остро сказывается и утеря творческой базы ленинградских художников в Старой Ладоге. Озабоченные поисками заработков, молодые устремляются в сезон не на этюды в окрестности Академички, в Карелию, на Алтай, Волгу или Енисей, а в обжитую регулярную Европу, откуда везут открыточного типа «видики», составившие значительную часть экспозиции выставки. Их география обширна: от Шотландии и Лиссабона на западе до Сицилии на юге, от Упсалы на севере и до Полинезии на востоке. Можно лишь порадоваться этой возможности свободно открывать для себя культуру и природу далёких стран. Но на качестве пейзажной живописи это пока положительно не отразилось.




Экспозиция юбилейной выставки. 2012





Н. Е. Тимков
Русская зима. Иней. 1969




А. М. Семёнов
Малая Садовая. 1979

Ту же тенденцию находим и в городском петербургском пейзаже, прежде традиционно сильном разделе любой большой выставки. Особенно она заметна рядом с работами опять же ленинградских мастеров - «Исаакиевской площадью» Г. П. Татарникова и «Малой Садовой» А. М. Семёнова.

И всё же есть в живописном разделе выставки картина совершенно отдельная, выделяющаяся оригинальностью замысла и мощью, убедительностью художественного воплощения.  Речь о полотне Н. Д. Блохина «Соловей-разбойник», одной из лучших работ талантливого петербургского рисовальщика и живописца. Появление художника такого масштаба как Н. Д. Блохин – явление радостное, долгожданное, выстраданное, хочется надеяться знаковое. Вселяющее оптимизм. Родившись в Ленинграде, он последовательно прошёл всеми «ступенями», заложенными ещё в 1930-х годах основателями «ленинградской школы» - СХШ, затем ЛИЖСА имени И. Е. Репина, Петербургский Союз художников. Об этом важно сказать для понимания того, как происходит наследование традиций в нашем искусстве, как значим и необходим для этого каждый этап его истории.




Н. Д. Блохин
Соловей-разбойник. 2002


У работы Н. Д. Блохина есть одно нечасто отмечаемое свойство большой картины – неоднозначность, даже противоречивость трактовки образа героя. В его «соловье-разбойнике» есть, как и положено, что-то пугающее, отталкивающее, жуткое, но одновременно и что-то необъяснимо притягательное, родное, нашенское, по-своему неотразимо красивое. Как в искусителе - отчаянном бунтаре, прячущемся в потаённом уголке каждой русской души. Отталкиваясь от сказочного народного образа, художник пишет, фактически, своего героя с нас, персонифицируя бродящие внутри нас силы. Можно ли это назвать художественным пророчеством? Будущее покажет. Одно бесспорно: автор выразил в картине то, что копится в самом воздухе нашего времени, в душе каждого из нас. И этим она необычайно современна. Такие образы начинают жить своей жизнью, резонировать времени, обнаруживать глубокие скрытые подтексты, которых автор мог и не вкладывать напрямую. Вы вольны трактовать его по-своему, находя новые грани и оттенки. Герою народного предания мастер нашёл убедительное воплощение в сегодняшнем ярком типаже. От чего наша действительность получила удивительное прочтение и предстала как уже переживаемая ранее напасть. Не случайно и ветвистое мощное дерево на картине выглядит безжизненным, будто его могучую крону поразила какая-то тля. И вот уже нет непостижимо долгой дистанции, многовековая история сжимается на глазах и, благодаря искусству, мы почти физически ощущаем себя современниками, одним народом, одним миром.

Всё это стало возможно лишь благодаря мастерству художника. Ведь, по замечанию того же Н. Н. Пунина, «всякое событие, которое находит место на холсте, чтобы стать картиной, должно быть увидено как картина» (6). В «Соловье-разбойнике» мы находим и ту «напряжённость зрительного поля», которая, по мнению Н. Н. Пунина, является одним из самых существенных показателей современного понимания картинного построения. Перед нами не этюд, не красивый набросок к пока не осуществлённому замыслу. Не должна смущать и видимость некой незавершённости. Для понимания разницы между этюдом и картиной обратимся ещё раз к Н. Н. Пунину. «Картина, если это действительно картина, а не халтура, всегда в своём замысле должна быть итогом, результатом целого ряда ощущений жизни художника. Так всегда мастера и приступали к картине. Только после того, как созреет цепь ощущений, цепь личных биографических или общественных переживаний, …тогда нарождается подлинно творческий замысел. В этом смысле картина – итог, нечто собирательное по отношению к художнику, в котором выражена совокупность, цепь моментов, пережитых художником и подведших его к этому итогу, то есть картина в этом смысле диаметрально противоположна этюду. …Этюд это случай, мотив для картины, эпизод, а не совокупность переживаний художника. Тут самым решительным образом решение картины отличается от этюда» (7).

Это наблюдение, сформулированное в середине прошлого века, ценно для понимания и сегодняшней живописи. Не всякая формально картиноподобная работа является картиной. Современное искусство изобилует имитациями, игрой, которые часто принимаются за нечто подлинное. Учиться видеть, отличать – это тоже вклад в искусство, который может внести каждый. Не случайно важной особенностью ленинградской школы живописи всегда было наличие авторитетного мнения художественной общественности, идущее еще от старой школы и петербургской традиции. Не зависящее от власти, званий, наград, оно имело большее влияние на оценку творчества и личности художника, нежели официальное признание или внешний успех. И сегодня, когда искусство переживает иные времена, взаимовлияние зрителя и художника остаётся важным фактором развития петербургского искусства.





Примечания

1.    80 лет Санкт-Петербургскому Союзу художников. Юбилейная выставка. СПб., «Цветпринт», 2012. – 616 с.
2.    Изобразительное искусство Ленинграда. Каталог выставки. Л., Художник РСФСР, 1976. С.14-38.
3.    Выставка произведений ленинградских художников, посвящённая 60-летию Великого Октября. Л., Художник РСФСР, 1982. С.7-9.
4.    Связь времен. 1932-1997. Художники - члены Санкт-Петербургского Союза художников России. Каталог выставки. СПб., 1997. С.282-302.
5.    Стенографический отчёт выступления искусствоведа Н. Н. Пунина на обсуждении выставки этюда. 11 Февраля 1945 года // Центральный Государственный Архив литературы и искусства. СПб. Ф.78. Оп.1. Д.58. Л.2-2б.
6.    Стенографический отчёт доклада профессора Академии художеств Н. Н. Пунина «Импрессионизм и проблема картины» 13 апреля 1946 года // Центральный Государственный Архив литературы и искусства. СПб. Ф.78. Оп.1. Д.71. Л.2б-27.
7.    Там же, Л.25.







Copyright: С. В. Иванов, 2012.

Все права защищены.

При перепечатке ссылка обязательна.



Главная       Статьи        Контакты